Картины говорят

Константин Маковский: Художник эпохи

Константин Маковский родился в 1839 году в семье талантливого художника Егора Маковского. В творческой среде воспитывались все дети: сыновья стали известными живописцами, а сестра Мария — актрисой.

Обучение в Московском училище живописи и влияние великих мастеров, таких как Тропинин и Брюллов, сформировали его стиль. Позже Маковский поступил в Императорскую Академию художеств, где успешно учился и участвовал в выставках. Однако диплом не получил, отказавшись работать над академическими мифологическими сюжетами.

Художник сочетал реализм с романтизмом, создавая живописные, богато украшенные полотна. Вместе с Крамским и другими мастерами он основал «Товарищество передвижных художественных выставок», сосредоточив внимание на изображении простых людей в повседневной жизни.

Путешествия в Сербию и Египет обогатили его палитру и композиционные решения. Он увлекся историческими сюжетами, идеализируя прошлые эпохи, и стал мастером парадного портрета. Его работы, в том числе образы Марии Волконской и императрицы Марии Федоровны, демонстрируют виртуозное владение цветом и деталями.

В 1915 году художник трагически погиб в возрасте 76 лет. Его наследие — яркие, выразительные картины, запечатлевшие дух бурной и многогранной эпохи.

Картины говорят 🖼

Март
Левитан, 1895 год.

Великий пейзажист редко писал зиму, предпочитая переходные времена года, когда природа оживает и наполняется красками. Однако эта работа – исключение. Хотя пейзаж еще укрыт снегом, в нем уже чувствуется приближение весны.

Перед зрителем – уголок загородного имения в Тверской губернии. Крестьянин, оставив телегу с усталой лошадью, отправился на разговор с барином. Лошадь же, словно наслаждаясь первыми теплыми лучами, стоит неподвижно.

Весна пока робка: снег плотным ковром лежит на земле, но солнце уже растопило дорогу, а синеватые тени на снегу и чистое небо выдают скорое обновление природы. Скворечник на березе – еще один знак грядущего пробуждения.

Дом, освещенный солнцем, словно впитывает тепло, истосковавшись по свету. Следы, ведущие в лес, напоминают сказку о Снегурочке, прячущейся от весеннего солнца. Все вокруг пронизано ожиданием перемен.

Картина написана быстро, с особой эмоциональностью, передающей нетерпение прихода весны. Необычная цветовая гамма – сочетание белого, синего и зеленого – создает ощущение радости и обновления. Этот пейзаж вдохновил целое поколение художников, открыв в зимнем пейзаже предчувствие лета и жизни.

Картины говорят 🖼

❗️Ему давали Нобелевскую премию, но он отказался

Аркадий Перельман – советский психотерапевт, мог за секунду вылечить от депрессии, без долгих сессий избавить человека от ЛЮБОЙ фобии и даже тихоню превратить в сильного лидера.

Чтобы его знания не развеял ветер истории, в телеграме создали канал Иначе не скажешь.

Там объясняют, какие шестерёнки подкрутить в голове, чтобы взрастить в себе сильную личность. Без выхода из зоны комфорта, копания детских травм и прочей ереси.

Подписывайтесь, через неделю сами себя не узнаете: https://t.me/+SNX59kkTDu1hOTgy

Богатыри. (Три богатыря)
Виктор Михайлович Васнецов, 1898 год.

Картина Васнецова «Богатыри» — настоящий символ русского искусства, воплощающий силу и дух народа. Написанная во второй половине XIX века, она отражает глубокий интерес художника к фольклорным мотивам, которые стали основой его творчества.

На переднем плане изображены три легендарных героя русских былин: Илья Муромец, Добрыня Никитич и Алёша Попович. Их мощные фигуры и кони подчеркивают несокрушимость защитников родной земли. Над созданием картины Васнецов трудился почти 30 лет, начиная с первого наброска в 1871 году. Завершённая в 1898 году, она была приобретена П.Третьяковым и до сих пор хранится в Третьяковской галерее.

В центре композиции – могучий и великодушный Илья Муромец, историческая личность, причисленный к лику святых. Его массивный конь с металлической цепью вместо упряжи подчёркивает неукротимую силу. Добрыня Никитич представлен благородным, образованным воином, готовым в любой момент встать на защиту родины. Алёша Попович – самый молодой, гибкий и ловкий, с луком в руках и гуслями у седла, что символизирует его удаль и весёлый нрав.

Детали картины – доспехи, амуниция, природный фон – тщательно воссозданы на основе исторических источников. Васнецов мастерски передал тревожное предчувствие надвигающейся опасности, в то же время создавая образ непоколебимых защитников, стоящих на страже родной земли.

Картины говорят 🖼

Катанья. Сицилия
Врубель Михаил, 1894 год.

Этюд «Катанья. Сицилия» был написан Михаилом Врубелем во время его поездки в Италию в марте – начале апреля 1894 года.

В нем обращает на себя внимание «граненость» формы, подобная той, какую можно видеть в картинах художника. Он пишет свои этюды в столь же сложной технике, сочетая наложение краски кистевыми мазками и мастихином. Таким образом достигается особая «мозаичность» мазка, которой переданы в этюде вода, корабли, горы. Эта техника придает произведению особое богатство фактуры и трепетность.

Картины говорят 🖼

📸 Здесь каждое фото — это маленькая визуальная история, наполненная смыслом и эмоциями.

Подписывайтесь на канал, чтобы увидеть мир глазами фотографа, который видит необычное в повседневном, и рассказывает о том, как это создает

erid: 2W5zFGut9FW

Вечер
Сомов Константин, 1902 год.

В цветовых сочетаниях ощущается свойственная художнику пряность и острота "едкой невыдыхающейся соли", по меткому замечанию Александра Бенуа. В колорите преобладают краски патины и бронзы. Бронза варьируется от безжизненного цвета заката, до фальшивой позолоты виноградных гроздей. Бирюза - от крадущегося по углам холодного сумрака и патины до ледяного пламени платья сидящей дамы.

Эти колористические аранжировки навевают воспоминания о цветовой гамме русского барокко. В этом умении уловить флюиды прошлого проявляется качество, которое мирискуссники называли «эпошистостью». Сомов постоянно напоминает, что это не прошлое, а его эхо, стилизация, преломленные в сознании ностальгирующего по старинной гармонии художника Серебряного века.

Картины говорят 🖼

⚡️Государственный Эрмитаж представляет новый проект в Telegram!

«ARTефакт» – это уникальная возможность погрузиться в мир искусства и узнать тайны великих произведений, которые до сих пор оставались загадкой для зрителей.

Здесь экскурсоводы музея делятся своими знаниями, рассказывая об истории создания произведений, их смысле и авторах.

Не просто канал, а ваша личная галерея!

Подписывайтесь: @ARTefact_wow

Падший Ангел
Александр Кабанель, 1847
120 × 196 см

Художник написал эту потрясающую работу в 24 года.

Выиграв Римскую премию, Кабанель на несколько лет переехал в Италию. Как и остальным лауреатам, он должен был регулярно присылать картины, чтобы засвидетельствовать прогресс, которого он добился за время своего пребывания в Риме. Именно с этой целью он написал «Падшего ангела».

Ангел, изгнанный Богом с небес, на картине изображён раздосадованным, со скрещёнными руками и виднеющейся в уголке глаза слезой. Он лежит на земле, обнажённый, в то время как другие ангелы летают в небе над ним.

Его потемневшие на кончиках крылья словно бы тронуты распадом перед окончательным опадением.

Изобразив Люцифера, с совершенным телом греческого бога и выразительным взглядом, в котором смешиваются ярость и недоверие к тому,кто его изгнал, художник подвергся жесткой критике.

Судьи Салона были в ужасе - мало того, что молодой художник изобразил Дьявола, его падший ангел выглядел еще и слишком сексуально.

Картины говорят

Аленушка
Виктор Васнецов, 1881 год.

Картина Васнецова «Аленушка» давно завоевала любовь зрителей. В ней художник через сказочный сюжет передает сложный и глубоко прочувствованный русский характер.

Грусть героини кажется не по-детски зрелой – в ее взгляде читается отчаяние. Рыжие растрепанные волосы, темные печальные глаза, нежные алые губы – все это создает образ ребенка с непростой судьбой. Однако фантастических элементов в самой Аленушке нет. Единственная деталь, придающая картине сказочную атмосферу, – стая ласточек, парящих над ее головой. Эти птицы традиционно символизируют надежду, и, возможно, именно они намекают на счастливый исход ее истории.

Фоновый пейзаж наполнен ощущением тишины и меланхолии. Художник мастерски передает гладь воды, неподвижные камыши, густую осоку, строгие ели. Даже отражение Аленушки в пруду кажется легким, едва уловимым. Лишь молодые осины чуть трепещут, а осеннее небо понемногу хмурится. Темные зелено-коричневые оттенки природы контрастируют с теплым румянцем девочки и яркими цветами на ее юбке. Кажется, еще мгновение – и сказка вновь оживет…

Картины говорят 🖼

Сегодня хотим порекомендовать вам отличные каналы, посвященные живописи.

🏞 Пейзажная живопись — здесь вы откроете для себя всю красоту и величие русской природы, запечатленные в шедеврах великих мастеров.

🖼 Современная живопись — взгляните на произведения современных живописцев, продолжающих и поддерживающих школу русской живописи.

🖌️ Акварельная живопись — канал, где собраны лучшие акварельные произведения.

🤩Не пропускайте.

Алексей Венецианов — родоначальник русской жанровой живописи

Алексей Венецианов (1780–1847) первым отошёл от академических канонов, начав изображать простую повседневную жизнь крестьян. Его работы — это не постановочные сцены, а настоящая жизнь: матери с детьми, девушки за работой, крестьяне в поле.

Венецианов не получил классического художественного образования. Работая землемером, он в свободное время копировал картины в Эрмитаже и учился у Боровиковского. В 1811 году Академия художеств присвоила ему звание академика за «Портрет Головачевского с учениками».

В 1819 году художник ушёл в отставку и поселился в деревне Сафонково. Там он создавал свои знаменитые крестьянские сцены: «На пашне. Весна», «Гумно», «Утро помещицы». Император Александр I купил его картину за 1000 рублей, а позже «Гумно» заняло место в Эрмитаже.

Венецианов не только писал, но и обучал. Он открыл школу для талантливых крестьян, выкупал учеников у помещиков и учил их работать с натуры. Академия художеств его не поддерживала, но его ученики продолжили его дело, создав «венециановскую школу».

Жизнь художника оборвалась в 1847 году — он выпал из саней. Но его вклад в искусство бессмертен: он открыл для живописи простой народ и показал, что красота есть в каждом мгновении жизни.

Картины говорят 🖼

Захарка
Венецианов Алексей, 1825 год.

Сосредоточенный взгляд мальчика направлен в сторону, туда, где что-то привлекло его внимание, рука в большущей коричневой рукавице крепко и привычно сжимает рукоять топора. Тем самым Венецианов преодолевает ощущение позирования в подаче модели. Низко надвинута на глаза мальчишки шапка с меховой опушкой – очевидно, она досталась ему от отца или старшего брата, курносый нос и пухлые губы раскраснелись на холоде. Сведенные брови паренька говорят о его решительном характере, а пристальный взгляд – о пытливом и бойком уме. Сочетание теплых коричневых, розовато-красных, охристых и серых тонов в лице и одежде мальчика создают гармоничный контраст с чуть приглушенной синевой фона.

Картины говорят 🖼

Сегодня расскажем о выдающемся художнике Фёдоре Михайловиче Матвееве (1758–1826) — мастере пейзажной живописи и ярком представителе классицизма.

Родившись в семье солдата, он с детства проявил талант и в шесть лет поступил в Академию художеств. Ученик Семёна Щедрина, в 1779 году Матвеев получил золотую медаль и возможность поехать в Италию. Планируя временное обучение, он остался там навсегда.

В Риме художник приобрёл известность, открыл мастерскую, где собирались русские творцы. В 1806 году за «Вид Неаполя от подножия Позилиппо» он получил звание академика, а позже стал членом Академии Святого Луки.

Матвеев прославился панорамными видами Италии, столь популярными в то время. Его картины можно увидеть в Третьяковской галерее, Русском музее и других собраниях.

Картины говорят 🖼

Вид Рима. Колизей
Матвеев Федор, 1816 год.

Колизей – один из самых известных памятников античного мира, стал поистине символом древней цивилизации. Матвеев изображает грандиозное сооружение с археологической точностью. Он показывает античный амфитеатр с разрушенной стороны, что дает возможность видеть фрагмент его внутренней части. Перед Колизеем расположена арка Константина. Сравнение ее с огромным зданием подчеркивает колоссальный масштаб последнего.

Согласно правилам классицизма, основной объект помещается на втором плане картины, и Колизей располагается точно по центру композиции. Перед ним расположена арка Константина. Слева и справа памятник обрамляют деревья, своей условностью напоминающие кулисы. Вся картина уподоблена грандиозной театральной сцене, в центре которой находится «главный герой» этого безмолвного исторического спектакля. Амфитеатр главенствует в пейзаже, образовывая с ним единое целое.

Картины говорят 🖼

Шум старого парка
Васнецов Аполлинарий, 1926 год.

Картина, которой сам Васнецов придавал большое значение, отмечена философской значительностью. Пейзаж выражает состояние тревожного ожидания, смятения чувств, переданных экспрессией парка, трепещущего под напором ветра. Холодные сумеречные тона навевают тревожные предчувствия. В неспокойном грозовом мотиве скрыто некое иносказание, ассоциирующееся с зыбкостью жизни и волнениями эпохи.

Картина была написана семидесятилетним художником в год смерти старшего брата Виктора Васнецова. «Не стало Виктора – огромное опустошение произошло в моей душе. Мы имели одинаковые взгляды на искусство и на литературу. Но все прошло... Ответы на мои вопросы о моих работах, его советы, а иногда и критические нападки – навсегда умолкли», – писал Аполлинарий о горечи утраты. Последняя большая работа стала своеобразным живописно-символическим откликом на постигшее семью несчастье.

Картины говорят 🖼

Винсент Ван Гог, создавая картину «Подсолнухи», использовал технику «импасто».

Задумывались ли вы, почему «Подсолнухи» Ван Гога выглядят такими живыми, словно пропитаны солнечным светом и энергией? Всё дело в технике импасто, которой мастер пользовался виртуозно.

Импасто — это способ нанесения краски густыми, рельефными мазками, создающими эффект объёма и текстуры. Такой приём позволяет свету по-особенному ложиться на поверхность картины, усиливая её выразительность. Толстые слои краски делают мазки осязаемыми, будто можно почувствовать их пальцами.

Этот метод был известен ещё в XVI веке и использовался художниками венецианского Возрождения. Однако именно Ван Гог вывел его на новый уровень, делая каждое полотно не просто изображением, а всплеском эмоций.

Картины говорят 🖼