История одной картины

"Уличная сцена в Берлине"
1914 г.
Эрнст Людвиг Кирхнер
Новая галерея, Нью-Йорк.

В 2006 году «Уличная сцена в Берлине» Эрнста Кирхнера - одна из самых важных картин немецкого экспрессионизма, как утверждали аукционисты, - была продана в частную коллекцию. Запутанная история, которая вызвала волну негодования среди искусствоведов, политиков, журналистов и любителей живописи – крайне редко произведения такой ценности уходят в частные руки из общественного музея.

Brücke museum (музей, посвященный деятельности художественного объединения «Мост») вынужден был отдать картину Аните Хальпинс, которая заявила, что она прямая наследница коллекционера-еврея Альфреда Гесса, первого владельца картины. Ее дед вынужден был продать картину за бесценок во время преследования евреев национал-социалистической партией. В соответствии с Вашингтонской декларацией 1998 года власть Берлина согласилась снять картину с музейной стены и передать семье первого владельца. На аукцион Christie's картина попала в том же году и была продана по рекордной для Кирхнера цене – 38 миллионов долларов. Новым владельцем «Уличной сцены» стала Neue Gallery, частная нью-йоркская галерея. Споры вокруг этого решения не утихают уже много лет: обыкновенный коммерческий ход со стороны наследницы, комплекс вины со стороны немецкой власти, ненадежность сведений о первом владельце и тех причинах, которые побудили его к продаже (а может и не было никакого преследования? может, Альфред Гесс просто продал картину и получил за нее хорошие деньги?). В любом случае, возмущаются галеристы и искусствоведы, нельзя просто взять и отдать настолько значительный музейный экспонат, доступный миллионам людей, во владение одному человеку.

Эрнст Людвиг Кирхнер написал 11 картин с берлинскими ночными уличными сценами в последний предвоенный год, 1913. Он переехал из провинциального и тихого Дрездена в Берлин, самый быстро растущий и самый освещенный город в начале ХХ века. Здесь резко меняется художественная манера Кирхнера, писавшего до сих пор обнаженную натуру среди дикой природы во время летних вылазок на Морицбургские озера. Город Кирхнера – это мегаполис, в котором одиноко и неуютно, который одинаково возбуждает и пугает обилием возможностей, агрессивным светом ночных клубов, ресторанов, театров, кабаре, кинотеатров. Героини этой живописной серии – берлинские проститутки, ярко одетые и вызывающе заметные.

Позднее искусствоведы скажут о том, что продажная любовь для Кирхнера – это символ: коммерческой основы всех внутригородских отношений, процветавшей коррупции, битвы между личной свободой и цензурой в искусстве и одновременно продажности искусства. Все эти смыслы художник вряд ли формулировал как программу и художественную задачу – Кирхнер пишет не социальный пасквиль, а собственные ощущения и состояние ума, собственное отчаянье и одиночество. Не смотря на то, что между мужчинами-клиентами и городскими проститутками должен происходить сейчас бессловесный договор, не смотря на то, что пространство картины перегружено и плотно заполнено фигурами людей, все взгляды направлены в разные стороны и все движения разрознены. Здесь каждый сам по себе.

Проводя вечера на центральных улицах и площадях, Кирхнер делает множество зарисовок – ему теперь хватает нескольких линий, чтобы обозначить движение, характеры, выражения лиц. Он пишет позже о том, что попытка передать движение привела его к отказу от одноточечной перспективы, именно несколько точек зрения способны создать ощущение хаотичного, разрозненного движения. Обрезанные фигуры на первом плане картины создают ощущение случайного снимка, сделанного в гуще быстро движущейся толпы. Вытянутые, угловатые лица – влияние одновременно двух равноудаленных от окружающей действительности традиций: экзотические африканские маски и древняя готическая иконография.

#ЭрнстКирхнер #Экспрессионизм

@pic_history

Синдром отличника или синдром самозванца?

Все мы немного психологи – диагностируем себя и знакомых. Особо продвинутые смешивают популярную психологию с астрологией или религией.

Авторский блог «Саморазвитие | Психология | Книги» — про другое. Здесь доступно излагают научную сторону психологии.

Мы расскажем, как подружиться со своими субличностями. Порекомендуем лучшие книги для саморазвития и под разное настроение. Научим считывать эмоции и управлять ими.

"Пейзаж с красными деревьями"
1906 г.
Морис де Вламинк
Национальный центр искусства и культуры Жоржа Помпиду, Париж.

Известный парижский галерист Амбруаз Воллар к моменту создания пейзажа «Красные деревья» уже посетил мастерскую Вламинка и скупил множество его картин. Художник воодушевлен, полон идей и жизненных сил. Лето 1906 года нередко называют самым плодотворным и успешным периодом его творчества. Он работает в окрестностях Шату на берегу Сены, где вместе с Дереном снимает мастерскую.

«Только киноварь могла передать ярчайший красный цвет черепичных крыш на противоположном склоне. Оранжевый цвет земли, жесткие и резкие цвета стен и зелени, ультрамарин и кобальт неба гармонировали между собой до непристойности в чувственном и мелодичном порядке», – так художник описывал работу над пейзажами в то счастливое для его кисти лето.

Период с 1903 по 1907 годы исследователи его творчества называют фовистическим. Причем под завершение этого этапа буйство цветовых контрастов на палитре частично смягчилось. Теперь основные приемы, с помощью которых Вламинк выражает эмоциональную напряженность пейзажа – контуры, формы. Сравним, к примеру, этот пейзаж и написанный в 1905 году.

На переднем плане зеленая и желтая крона деревьев соседствует с красными, местами переходящими в охряные, стволами. Черные, нарочито небрежные контуры упорядочивают изображение. Контур использован не везде. Мазки сочные, сияющие и, в отличие от начала фовистского периода, широкие и густые. Нередко Вламинк вообще откладывал кисть и выдавливал краски из тюбика прямо на холст. Такой прием активно использовал и Ван Гон, чья яростная неистовость была особенно близка Вламинку.

Отсветы розового неба вносят неожиданный элемент легкости, словно расширяя и облегчая пространство плотного цвета и сильных эмоций. Вламинк стремится не столько передать внешнее – то есть изобразить деревья, сколько воплотить посредством цвета и движения кисти ощущения. Причем никакой мимолетности, импрессионисты его не привлекали. Напротив, краски передают жгучую силу жизни, несут в себе необузданную радость и таят замершую в ожидании разрядки тревожность – такова эмоциональная палитра художника «дикого цвета».

Некоторые исследователи считают, что необузданный темперамент – не только сила, но и слабость Вламинка, поскольку за пределы его он так и не вышел. Впрочем, такое мнение чересчур субъективно. Сам же Вламинк считал, что теории в искусстве бессмысленны, а живопись – это «манера жить».

#МорисДеВламинк #Модерн

@pic_history

На курсе «Профессия Арт-менеджер» ты получишь доступ к офлайн-мероприятиям:

- воркшопам;
- экскурсиям в компании-партнёры;
- карьерным консультациям.

С их помощью ты приобщишься к профессиональному сообществу и найдешь единомышленников. Посмотришь на работу крупных компаний изнутри и познакомишься с их сотрудниками и руководителями. Совместно с консультантом определишь цели профессионального развития, составишь эффективное резюме и узнаешь, как проходить собеседования.

Программа построена таким образом, что сначала ты освоишь модули основного курса по арт-менеджменту, а затем углубишь знания на универсальных курсах по управлению проектами, командами, бюджетом и временем. Ты прокачаешься как управленец и сможешь работать не только в искусстве, но и в других отраслях.

По окончании обучения, ты пройдешь стажировку у наших партнёров

Переходи и регистрируйся на курс по ссылке: https://clc.am/_j3pyQ

"Деревенская любовь"
1882 г.
Жюль Бастьен-Лепаж
ГМИИ имени А. С. Пушкина.

Картину «Деревенская любовь» приобрел Сергей Третьяков, брат Павла Третьякова, тоже коллекционер и меценат. Когда он привез работу Бастьен-Лепажа в Москву, Валентин Серов и Михаил Нестеров каждые выходные ходили смотреть на нее. А Нестеров утверждал, что «картина эта, по сокровенному, глубокому смыслу, более русская, чем французская».

К крестьянской теме Бастьен-Лепаж обращался часто, именно в этом русле созданы его лучшие картины. Перед нами типичный деревенский пейзаж, по разные стороны покосившейся хлипкой изгороди мы видим двух влюбленных. Удивительно тонко передано их состояние, некая натянутость и неловкость ощущаются буквально физически, улавливается и трудно сдерживаемая нежность, и явное смущение. Никакого заигрывания с крестьянами нет, Бастьен-Люпаж не пытается сделать из парня ангела, но в данный момент – в его лице видна одухотворенность, трепет, волнение. Девушку мы видим со спины, в ее руках цветок. Влюбленные склонили головы в направлении друг к другу, и кажется, что пространство между ними стало плотным.

Отдельно стоит обратить внимание на колорит. Цветов, в принципе, не очень много, но какая градация оттенков! Ведущие тона – зеленые и коричневые – представлены в потрясающем многообразии. Яркий акцент – розовый платок на ограде. Манера письма свободная, пастозный мазок. Это признанный шедевр французского натурализма, хоть и создана картина в разгар импрессионистских выставок (в 1882-м как раз проходить седьмая).

Русские передвижники с большой долей вероятности внесли бы в такой сюжет раздумья о крестьянских судьбах, социальной угнетенности. Собственно, почему «внесли бы»? Вот какой вариант развития сюжета «Деревенской любви» (очень нерадостный вариант) наблюдаем в картине Владимира Маковского «На бульваре». Ничего подобного нет у французского художника. Его настроение в данной картине – созерцание, любование, тонкая поэтичность. Однако намерения автора не всегда интересуют критиков, о чем свидетельствует такой забавный факт: французские критики, исследуя новую картину Бастьен-Лепажа, отыскивали некую подоплеку. К примеру, в одной из рецензий было заявлено, что художник показал «типичное будущее мужа-подкаблучника». Дескать, девушка уже сейчас вон как сурово с ним обращается, даже на свою сторону изгороди не пускает, что же будет, когда он на ней женится?!

#БастьенЛепаж

@pic_history

"Автопортрет"
1933 г.
Казимир Северинович Малевич
Государственный Русский музей, Санкт-Петербург.

Среди сотен работ Казимира Малевича можно отыскать не так уж много автопортретов. Причем большая часть из них была написана еще на заре карьеры художника, когда он смело экспериментировал со стилями в поисках собственного творческого пути. Первый автопортрет Малевич написал в 1907 году, эта работа была одной из его «фресковой» серии с религиозными сюжетами. В следующих трех автопортретах от схожести с иконами не осталось и следа: художник открыл для себя постимпрессионистов и фовистов, и для него наступило время опытов – сначала с цветом, а потом и с формой. Известный автопортрет Малевича из собрания Третьяковской галереи, написанный в 1910 году, символизирует переход художника к совершенно новым живописным принципам. Здесь на смену бесполым фигурам святых на заднем плане приходят демонически подсвеченные красным очертания женских тел, да и сам Малевич выглядит довольно пугающе.

Спустя несколько лет, в год создания знаменитого «Черного квадрата», отец-основатель супрематизма написал еще одно полотно, в котором крайне сложно было бы узнать автопортрет, если бы не название. Но вот в последние годы жизни Малевич вдруг отходит от геометрической строгости своих супрематических работ и начинает писать неоклассические портреты. 1933 год был тяжелым для художника: изнутри его постепенно уничтожала смертельная болезнь, а снаружи на него давил вездесущий соцреализм, ставший едва ли не единственным одобряемым стилем живописи в Советском Союзе. Доказать всем вокруг и самому себе, что он не опустил руки и по-прежнему способен творить, Малевич может только с помощью своих картин. Он пишет новый автопортрет, не похожий ни на один из предыдущих. Некоторые эксперты сравнивают эту работу со знаменитым автопортретом Альбрехта Дюрера (1500). Малевич предстает перед зрителем в костюме венецианского дожа и помещает себя на нейтральный «супрематический» фон, не перегружая пространство картины лишними образами и сосредотачиваясь лишь на собственной фигуре. Казимир Северинович никогда не числил скромность среди своих добродетелей и этим итоговым портретом ставит себя в один ряд с мастерами Возрождения. Он даже воспроизводит на холсте эффект фресковой живописи.

Многочисленные исследователи в разное время обнаруживали в автопортрете Малевича 1933 года разные загадки и скрытые послания. Самое очевидное из них – изображение крошечного черного квадрата в правом нижнем углу полотна, где художники обычно ставят свою подпись (Малевич неоднократно подписывал таким образом свои поздние реалистические работы. Много споров вызывал и странный жест художника, однако в конце концов большинство критиков сошлись на мнении, что Малевич держит в руке невидимый «черный квадрат», выражая тем самым надежду, что рано или поздно его творчество будет признано и понято будущими поколениями. Таким же жестом Богородица указывает на Младенца на одигитриях - иконах, изображающий Богородицу с отроком Иисусом. Одигитрия в переводе с греческого - указующая путь. Малевич мыслит себя тем, кто указал новый путь искусству, а свой Черный квадрат - божественным младенцем. И это отнюдь не предположение: еще в 1915-м Малевич называл свой квадрат "царственным младенцем". Написанный в реалистичной манере автопортрет становится апофеозом провозглашенной Малевичем беспредметности: "Черного квадрата" здесь нет - есть только прямой угол меду большим пальцем и ладонью, где царственный младенец Малевича мог бы поместиться.

Этот автопортрет стал своеобразным манифестом Малевича, утверждением собственной несокрушимости и свободомыслия. И именно его последователи и ученики художника повесили в изголовье его супрематического гроба рядом с «Черным квадратом».

#КазимирМалевич #Портрет #Неоклассицизм

@pic_history