Просто про искусство

1907 году Валентин Серов совместно с художником Львом Бакстом предпринял путешествие в Грецию. Поездка была вызвана заказом по росписям зала Греческой архаики в Музее изящных искусств.
В Греции у Серова родился замысел картины «Похищение Европы». Он обратился к любимому художниками сюжету из античной мифологии: сцене похищения Европы, дочери финикийского царя, богом Зевсом, который в облике быка увез ее на остров Крит.
Картина «Похищение Европы» по исполнении отразила эволюцию художественной манеры Серова, вобрала в себя черты искусства как древнего, так и современного. В ней слились свежие впечатления от искусства Крито-Микенской (Эгейской) культуры, тяготение к модерну и интерес к опытам фовизма.
Полотно стало для Серова живописным экспериментом. Не случайно, работая над картиной до конца жизни, он так и не показал ее друзьям-художникам.

Валентин Серов
«Похищение Европы»
холст, масло, 71 x 99 см.
ГТГ, Москва.

В 1881 году Эдгар Дега выставил «Маленькую четырнадцатилетнюю танцовщицу» — восковую фигуру в настоящей балетной пачке, с настоящими волосами и атласной лентой. Критики были в шоке: одни называли работу «уродливой», другие — «обезьяной». Сегодня это одна из самых знаменитых скульптур XIX века.
После смерти художника наследники заказали отливку бронзовых копий. Оригинальная восковая скульптура в 1956 году была приобретена финансистом Полом Меллоном, а в 1985 году подарена Национальной галерее искусств в Вашингтоне. 
Бронзовые копии сегодня хранятся во многих музеях и частных коллекциях по всему миру. 

Эдгар Дега
«Маленькая четырнадцатилетняя танцовщица» 1881
Воск
Национальная галерея искусства, Вашингтон

Их отношения были скандальными для своего времени. Юлия Самойлова — блистательная аристократка, наследница огромного состояния, женщина, которая не боялась бросить вызов обществу. Карл Брюллов — гений, написавший «Последний день Помпеи» и стал мировой знаменитостью.
Она не скрывала связи с художником, принимала его в своём дворце под Миланом, где царила богемная атмосфера. Они путешествовали вместе, он писал её портреты, которые сегодня украшают лучшие музеи мира. Но Брюллов был человеком сложным: ранимым, сомневающимся, зависимым от творческих кризисов. Он не мог жениться на Самойловой из-за её положения? Или боялся потерять ту самую загадку, которую писал? Историки спорят до сих пор.

Карл Брюллов
«Портрет графини Ю. П. Самойловой, удаляющейся с бала с приемной дочерью Амацилией Пачини» (не окончена) 1842
Холст, масло. 249 x 176 см.
Русский музей, С-Пб.

Виктор Борисов-Мусатов прожил короткую жизнь, всего 35 лет, но успел стать одной из знаковых фигур русского символизма на рубеже XIX–XX веков. Его стиль характеризуется приглушенными тонами, застывшими фигурами женщин в старинных усадебных парках и ощущением, что время на холсте остановилось где-то между сном и воспоминанием. Он писал темперой и пастелью, любил фактуру гобелена и фрески больше, чем глянец масляной живописи, и намеренно уходил от бытового реализма в сторону меланхоличного настроения и таинственного образа.

Виктор Борисов-Мусатов
«Автопортрет с сестрой»
1898
Холст, темпера, масло, 143 x 177 см.
Русский музей, С-Пб

В неофициальном искусстве СССР творчество Василия Колотева занимает особое место.
С самого начала творческого пути работы Колотева носили иронический и критический характер в изображении быта обывателей и повседневной жизни московских коммуналок, пивных и подворотней. Не ориентируясь на моду и коммерческий успех, художник создал уникальную серию жанровых картин, посвященных обыденности, скуке, страстишкам советского обывателя, прекрасно выразив затхлую атмосферу Москвы застойного периода и суетных надежд первых лет перестройки.

Василий Колотев
«Очередь» 1985
Холст, масло, 50,5 x 63 см.
Частная коллекция.

В 1917 году, когда в России гремели революционные события, в Европе произошла неслучайная встреча. Темпераментный испанец Пабло Пикассо, которому уже стукнуло 35, готовил декорации к балету Сергея Дягилева «Парад». А на сцене в это время танцевала спокойная и изящная девушка из русской аристократической семьи – Ольга Хохлова. Ей было 26, и её карьера балерины потихоньку подходила к концу. Художник начал очень настойчиво ухаживать, но получил неожиданный отказ. Ольга согласилась на отношения только после того, как посоветовавшись с Сергеем Дягилевым, Пикассо сделал ей предложение.
Ольга была аристократкой до мозга костей. Под её влиянием Пикассо из бедного художника превратился в респектабельного господина. Но самое удивительное произошло с его творчеством. Ольга попросила мужа рисовать её так, чтобы она узнавала своё лицо. И Пикассо, заядлый кубист, который ломал все правила живописи, вдруг вернулся к классическому реализму.
Но уже к 1927 году Пикассо стало скучно. Он встретил новую музу, и брак превратился в обузу. Они разъехались в 1935 году, но развестись так и не смогли. В брачном контракте было прописано, что половина имущества художника принадлежит жене. Делить свои картины Пабло не собирался, а Ольга, будучи глубоко верующей, считала развод грехом. Последние годы жизни она превратилась в одержимую женщину, которая преследовала любовниц мужа. Сам Пикассо подливал масла в огонь, называя её истеричкой и сумасшедшей. Ольга умерла от рака в 1955 году, так и оставшись законной женой великого художника.

Пабло Пикассо
«Ольга Хохлова в мантилье» 1917
Холст, масло, 64 x 53 см, Музей Пикассо в Малаге. 

По преданию, жители Ковентри – подданные графа Леофрика в XI веке страдали от непомерно высоких налогов, и супруга графа – Годива неоднократно упрашивала мужа снизить налоговое бремя. Однажды на пиру, будучи сильно пьяным, Леофрик пообещал уменьшить налоги, если его жена проедет на лошади по улицам Ковентри обнажённой. Он был уверен, что это условие будет для неё неприемлемо. Однако Годива, движимая состраданием к народу, согласилась. 10 июля 1040 года она проехала через весь город верхом на лошади, прикрыв наготу лишь длинными волосами. Жители города, которые уважали её за доброту, заранее были предупреждены и в назначенное время закрыли ставни и двери домов, чтобы никто не увидел её. Лишь один житель житель Ковентри по имени Том не смог удержаться от любопытства и выглянул на улицу, чтобы посмотреть на Годиву. По легенде, после этого он ослеп.
Граф был поражён самоотверженностью жены и сдержал слово — снизил налоги. 

Джон Кольер
«Леди Годива» 1898
холст, масло. 142,2 × 183 см
Картинная галерея и музей Герберта, Ковентри

В 1926 году Пётр Кончаловский создает весьма характерное для его творческого кредо произведение – это групповой портрет. Художник изображает себя в кругу семьи. Присутствующие обращены в его сторону, а он что-то произносит с видом доброй барской важности, подчеркивая значительность сказанного жестом. Оказывается, он говорит своему сыну: «Миша, пойди за пивом!» — так называется картина.
Название ее, конечно, шуточное, вызывающе-задорное. Однако за шуткой — декларация художника: «повод для картины может быть любой».

Пётр Кончаловский
Семейный портрет. "Миша, пойди за пивом" 1926г.
холст, масло, 145 × 205,5 см. Фонд Петра Кончаловского. 

Она появилась в доме Матисса почти случайно. Сбежав от мужа, она искала работу и увидела объявление на трамвайной остановке.
Поначалу Матисс не обращал внимания на эту странную русскую. А она, выросшая на классических картинах, вообще не понимала, что такого особенного в этих ярких пятнах и замысловатых линиях. Но шли годы, еë спокойствие, тонкий вкус и неброская красота покорили мастера.
«Синие глаза» – один из первых портретов Лидии Делекторской, написанный Матиссом. Полотно наполнено необычайной теплотой и нежностью, спокойствием и умиротворением.
Художник продолжал писать Лидию до конца своих дней. А она была не только его преданной музой но и правой рукой. Она оставалась рядом до самой смерти великого художника. А все работы Матисса, что художник ей подарил, и даже то, что она приобрела на выплаченное им же жалованье, Лидия передала в дар русским музеям.

Анри Матисс
«Синие глаза» (портрет Лидии Делекторской) 1934
Холст, масло, 38×46 см. 
Балтиморский художественный музей, Балтимор

Середина 1960-х в творчестве Виктора Попкова была отмечена активным обращением к бытовому жанру, а взаимоотношения людей и эпизоды из их обыденной жизни стали для художника одной из центральных тем.
Двое» – одна из самых известных картин Виктора Попкова. На сложном зеленом фоне изображены две фигуры, мужчина и женщина. Будучи вместе, они принадлежат разным регистрам картины, живут как бы по отдельности друг от друга. Каждый существует в индивидуальном колористическом пространстве. Окруженные своим цветовым ореолом как капсулой, они замкнуты, непроницаемы друг для друга, погружены в собственные переживания. Ситуацию разъединения подчеркивают позы героев, напоминающие разомкнутые объятья.
По воспоминаниям современников, произведение написано художником после просмотра итальянского фильма «Нищий».

Виктор Попков
«Двое» 1966
Холст, темпера,  150 x 201 см.
ГТГ, Москва.

Поэт Валерий Брюсов как-то сказал:
«Портреты Серова – всегда суд над современниками…
Собрание этих портретов сохранит будущим поколениям всю безотрадную правду о людях нашего времени»
Княгиня Ольга Орлова была легендарной петербургской модницей, как сейчас бы сказали, светской дамой. По словам современников, она не отличалась ни умом, ни красотой, ни душевностью.
Серов без особой охоты взялся за её портрет, но уговор есть уговор.
Полотно содержит много деталей, которые дают нам намек на характер этой дамы.
Художник запечатлел модель в момент ее сборов на очередной бал, подчеркнув тем самым присущую ей легковесность мыслей и чувств, все еë помыслы сосредоточены исключительно на предстоящих удовольствиях и развлечениях. Обратите внимание на руку княгини – она указывает на себя. Плюс надменный взгляд и…. нам уже ясен её характер. Ольга на портрете изображена во всем великолепии – соболиное манто, декольте, жемчуг на шее, лаковые туфельки и завершает образ абсурдно огромная шляпа.
Княгиня был не так глупа и прекрасно поняла все намеки Серова, она не стала устраивать скандалы, а после смерти художника в 1911 году подарила свой портрет Музею Александра III, сейчас это Русский музей в Санкт-Петербурге.

Валентин Серов
«Портрет княгини О. К. Орловой» 1911
Холст, масло. 237,5 × 160 см
Русский музей, С-Пб.

Роль Леонида Талочкина для неофициального искусства СССР второй половины ХХ века трудно переоценить. В 60-е инженер-недоучка стал одним из центров андеграунд­ной тусовки, он начал собирать неофициальное искусство. Денег не было, почти все произведения он получал в подарок. Отдать картину в коллекцию Талочкина — это статус: он обещал художникам, что она обязательно будет легализована и окажется в музее. Талочкин не только собирал искусство — от шестидесятников до поколения перестройки, — но и каталогизировал его, переписывался с художниками, вел картотеку. Он создавал культурное поле и делал все возможное, чтобы современные художники были вписаны в историю искусства.

Вячеслав Калинин
"Портрет Леонида Талочкина с кружкой пива" 1973 г.

Согласно легенде, царю Акрисию было предсказано, что он погибнет от руки сына своей дочери. Чтобы избежать судьбы, Акрисий запер дочь в подземном медном доме, надеясь, что она никогда не родит детей. Но Зевс, пленённый её красотой, проник к Данае в виде золотого дождя, и от этого чудесного события родился Персей. Впоследствии предсказание всё же сбылось: случайно пущенный диск Персея стал причиной смерти Акрисия.

Рембрандт показал эту историю иначе, чем это делали его предшественники. Вместо буквального «золотого дождя» художник использовал свет как символ любви и надежды. Свет ложится на тело женщины, делая его живым и осязаемым, а выражение лица Данаи передаёт радость и ожидание.
Рембрандт отказался от идеализации: его Даная — это настоящая женщина с естественными формами. Специалисты долго спорили, кто именно стал моделью, ведь черты лица менялись со временем, и в образе соединились черты двух женщин, близких художнику.
Картина пережила и трагедию: в 1985 году литовец Бронюс Майгис повредил полотно кислотой и ножом. Реставрация длилась 12 лет, и сегодня «Даная» выставлена в Эрмитаже под бронированным стеклом.

Рембрандт Харменс ван Рейн
«Даная» 1636—1647
холст, масло, 185 × 202,5см
Государственный Эрмитаж, С-Пб

Это полотно – один из самых последних автопортретов Ван Гога, написанный в больнице для душевнобольных Сен-Поль.
В письме своему брату Тео, написанному в самом начале сентября 1889, он отметил:
«Говорят – и я очень охотно этому верю – что познать самого себя трудно – но и нарисовать себя не так уж и легко. Итак, в данный момент я работаю сразу над двумя своими портретами – другие натурщики отсутствуют, а мне уже пора немного поработать с фигурами. Я начал трудиться над первым в тот же самый день, когда встал с постели; я был худ и бледен, как привидение. Картина тёмно-фиолетово-синего цвета, моя голова на ней беловатая, с жёлтыми волосами, именно поэтому полотно и имеет такой цветовой эффект. Но с тех пор я начал и другой портрет, длиной в три четверти, на светлом заднем фоне».

Винсент ван Гог
«Автопортрет с Кистями и Палитрой» 1889 г.
Холст, масло, 57 х 43 см.
Национальная Галерея Искусства, Вашингтон

В углу прокуренного парижского кафе сидит женщина. Она одна, хотя вокруг полно людей. Её взгляд устремлëн на стакан с мутной зеленоватой жидкостью. Это абсент, который в народе прозвали «зеленой феей». Но эта фея не дарит крылья, она забирает волю.
Пабло Пикассо написал эту картину в 1901 году, когда ему самому было всего двадцать лет и он только что пережил смерть лучшего друга. Он ходил в те же дешевые заведения на Монмартре, где подавали дешевое вино и еще более дешевый абсент. Он видел таких женщин каждый день. Они приходили, чтобы заглушить голод, усталость или тоску. Считалось, что «Зеленая фея» прочищает мозги и помогает творить. Но на деле она просто разрушала нервную систему. Через несколько лет во Франции абсент вообще запретят, признав его опасным ядом.

Пабло Пикассо
«Любительница абсента» 1901 г.
холст, масло, 73x54 см.
Эрмитаж, СПб

На картине Клода Моне изображена супруга художника Камилла с их сыном Жаном в один из ветреных летних дней середины 70-х годов XIX века, когда семейство проживало в Аржантёе. 
Это полотно одна из лучших иллюстраций того, что такое импрессионизм. Само название этого художественного направления происходит от французского слова impression, что означает «впечатление». Художники больше не хотели создавать идеальные и неподвижные композиции. Их интересовало всё изменчивое. Луч солнца, запутывшийся в складках платья. Порыв ветра. Облака, которые уже через минуту будут совсем другими.

Клод Моне
«Прогулка. Дама с зонтиком» 1875
Холст, масло. 100 × 81 см
Национальная галерея искусств, Вашингтон

По преданию, во время осады Троице-Сергиева монастыря» польско-литовскими интервентами в 1608–1610 годах, преподобный Сергий Радонежский явился пономарю Иринарху и сообщил, что уже отправил на помощь защитникам трёх своих учеников — Михея, Варфоломея и Наума. В ту же ночь защитники обители и враги увидели трёх всадников на белых конях с нимбами над головами, которые промчались мимо польско-литовских отрядов и скрылись во святых воротах. После этого враги сняли осаду. 

Михаил Нестеров
«Всадники» 1932
Холст, масло, 81.2×60 см
Церковно-археологический кабинет Духовной академии, Сергиев Посад

Одна из легенд о создании этой картины гласит, что в 1745 году австрийский аристократ князь Дитрихштейн зашёл в венскую кофейню, чтобы попробовать входящий в моду шоколадный напиток, о котором так много шло разговоров в то время. Его официанткой оказалась Анна Бальтауф, дочь обедневшего дворянина. Князь был покорён её обаянием и, несмотря на возражения своей семьи, взял девушку в жёны. «Шоколадница» стала свадебным подарком для новой княгини, заказанным у модного швейцарского художника Лиотара. Портретист изобразил невесту в костюме официантки XVIII века, увековечив любовь с первого взгляда.
Именно эта история Золушки  была популяризирована в буклетах американской шоколадной компании Baker's.

Жан-Этьен Лиотар
«Шоколадница» ок. 1743—1745
Пергамент, пастель,  82,5 × 52,5 см
Галерея старых мастеров, Дрезден

Картина «Три грации» написана фламандским художником Питером Паулем Рубенсом в 1630-35 гг.
Модели Рубенса полностью соответствуют канонам красоты, принятым в ту эпоху. Обнажённые тела лишены вульгарности или пошлости. В медленном и плавном движении раскрывается их естественность, мягкость и целомудренность. Каждый изгиб танцующих фигур – это гимн таинственной и притягательной природе женственности.
Через этот образ Рубенс воспевает гармонию тела и духа, радость жизни. Он следует античным традициям, но трактует сюжет по-своему, в духе барокко: делает акцент на чувственности и пышности форм.

Питер Пауль Рубенс
«Три грации» 1630–1635
Дерево, масло, 221 см × 181 см.
Музей Прадо, Мадрид